He descubierto recientemente a The Lost Fingers. Un grupo que reversiona éxitos de los 80 con su disco Lost in 80s.

Y la canción estrella de los Technotronics Pump up the Jam:

y la nueva versión:

La verdad es que la canción es buenísima y muy pegadiza.

I want.. a place to stay
Get your booty on the floor tonight
Make my day

Pump up the jam
Pump it up
While your feet are stompin’
And the jam is pumpin’
Look ahead the crowd is jumpin’

Pump it up a little more
Get the party going on the dance floor
See cuz that’s where the party’s at
And you’ll find out if you do that

I want.. a place to stay
Get your booty on the floor tonight
Make my day
I want.. a place to stay
Get your booty on the floor tonight
Make my day

Make my day
Make my make my make make my day
Make my day
Make my day
Make my make my make make my day

…La temática de este movimiento: muerte, enfermedad, guerras, angustia, tortura, sufrimientos, horror, maldad, sexo, murciélagos y calaveras… Manipulación del ser humano; el hombre como fachada (figura enmascarada en el carnaval de la vida); bajos instintos reprimidos por la educación burguesa…

Tecleaba ese texto apurada durante la clase de historia.

Se repetían con el mismo soniquete las características y temáticas de las vanguardias artísticas. Estábamos viendo las del Expresionismo cuando de repente apareció esta imagen de James Ensor en el proyector del aula. Un autorretrato entre máscaras, en el que se pinta con un peculiar sombrero y una mirada fija al espectador.

Autorretrato con máscaras, 1899

No pude evitar sonreírme al acordarme de la película de ET en la imperdible escena donde se esconde detrás de todos los peluches de la protagonista Drew Barrimore.

MEDIO 09

- Lugar: Ateneo de Madrid: C/ Prado 21
- Fecha: 3 de Julio de 2009
- Horario: 22.00 a 00.00 h.
- Organiza Área de Arte y Diseño de la Universidad Europea de Madrid
- Colabora: Ateneo de Madrid
- Director Área de Arte: Joaquín Ivars

Desde la Universidad Europea de Madrid con el objetivo de visibilizar proyectos de artistas en proceso de profesionalización realizamos por tercer año consecutivo la edición de MEDIO.

En esta ocasión el Ateneo de Madrid acoge ocho proyectos diseñados para sus salas. Como en su edición anterior los proyectos artísticos, realizados en colaboración entre cuatro poetas invitados y alumnos de Escultura del 2º ciclo de la Escuela Superior de Arte y Arquitectura de la Universidad Europea de Madrid seleccionados por concurso, se exhibirán en un solo día y dentro del marco del programa de los Viernes de la Cacharrería.

La presente edición cuenta con la participación de Sandra Santana, Eva Chinchilla, Mariano Mayer y Pepe Murciego, que trabajaron en colaboración con Sara Castellote (Ejercicios de Caligrafía Urbana), Leticia Navascués (Tiempos Líquidos), Hugo Castilla (Sin Título), Sara Miguélez (Romper el Hueso), Deborah López (Técnica Mixta), Siro García (Imborrable), María Barrio (Diez Días) y Alejandra Bernárdez/Eugenia Cerón (Game Ever), para las intervenciones y trabajos que se presentan en la sala de La Cacharrería y en el salón de actos del Ateneo de Madrid.

Descargar folleto

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Imagen: Leticia Navascués. Sandra Santana: Tiempos Líquidos. Vídeo proyección, 10 min.

Partiendo de conceptos desarrollados por Sandra Santana en su trabajo poético, Leticia Navascués elige trabajar sobre la anulación de la voluntad, la unidireccionalidad y el tiempo. La artista presenta grabaciones de una secuencia en la que sumerge la cabeza de la poeta en ocho recipientes, contenedores de líquidos cargados de simbolismo, dispuestos a modo de organismo. Al mismo tiempo, lee aleatoriamente fragmentos de un texto de San Agustín, extendido sobre la mesa, que la poeta repite, inmersa en los fluidos.

Via UEM

Via EXIT

LA CIUDAD DEL ESPECTÁCULO : Jean Baudrillard

La ciudad posmoderna vista desde las teorías del filósofo Jean Baudrillard está sufriendo un cambio a la SIMULACIÓN de ciudad.

Según Baudrillard estamos llegando al fin de lo social y de la vivencia de experiencias auténticas. Por eso necesitamos recrear una realidad artificial, una copia de lo ya existente, o en definitiva una HIPERREALIDAD.

Esta HIPERREALIDAD se refleja en la ciudad contemporánea desde una `disneylandización´ del ESPECTÁCULO del OCIO, de la CULTURA y el CONSUMO.

Disneylandia aparece como una tapadera cuya finalidad es ocultar que el resto del país es hiperreal y que ese mundo que se pretende infantil, hace creer a los adultos que están más allá, en el mundo REAL.

Orlando: Hollywood Boulevard en Disney World.

La reproducción exacta a otra escala del hecho urbano no trata de confundirse con lo real, sino de producir un simulacro que introduce la duda sobre la realidad; lo que se presenta igualmente en las reflexiones de Jorge Luis Borges cuando sustituye el territorio por el mapa del territorio (enlace al post donde cito a Borges):

En aquel Imperio, el Arte de la Cartografía logró tal Perfección que el Mapa de una sola Provincia ocupaba toda una Ciudad, y el Mapa del Imperio, toda una Provincia. Con el tiempo, esos Mapas Desmesurados no satisfacieron y los Colegios de Cartógrafos levantaron un Mapa del Imperio que tenía el Tamaño del Imperio y coincidía puntualmente con él. (…)

A su vez, el espacio de la cultura está produciendo museos mediáticos que convergen de nuevo en el entretenimiento y el consumo. Además, necesitan aparecer como hitos urbanos de la posmodernidad y venderse al turismo como un producto necesario de consumo en la ciudad.

Centro de Arte Moderno Pompidou en París.

El espectáculo del consumo es el que está produciendo macro centro comerciales donde confluyen todas las actividades recreativas: el espectáculo, el consumo, el ocio, y la cultura. Se convierten así en espacios urbanos copiados de la realidad pero que pierden la capacidad de ser públicos.

Est Edmonton Mall en Canadá es el mayor centro comercial del mundo.

Es a partir de estas tres estrategias (la del ocio, la cultura y el consumo) como convertimos la ciudad en producto. De este modo aparece la competencia de venta entre ellas. Para ello es necesario exacerbar y explotar los elementos que han sido característicos y tradicionales en la historia de la ciudad. Así se publicitan y promocionan las capitales en el mercado global.

Campaña publicitaria del conocido eslógan I love NY.

Es importante señalar que para coser el artificial disfraz de la ciudad-producto, necesitada de renovada estética y calidad visual y publicitaria, se requieren cantidades ingentes de dinero que se detraen de la vivienda social, el transporte público o el fomento del empleo.

Como conclusión, destacaría que la copia de lo real o esa hiperrealidad que se extiende cada vez más en las ciudades está siendo asimilada como real en la sociedad de hoy día, y que el término de hiperrealidad tal vez desaparezca en la medida en que la hiperrealidad misma se convierta en realidad.

Bibliografía:

-Baudrillard, J. (1978). Cultura y Simulacro. Barcelona: Kairós.

-García Vázquez, C. Ciudad hojaldre. Visiones urbanas del siglo XXI. Barcelona: Editorial Gustavo Gili

Ya colgué, hace casi un año, dos videoclips de Michel Gondry en el blog. Éste lo ví en clase y como siempre me pareció sencillo y genial. Es de IAM un grupo de RAP de Marsella, se llama Je Danse Le Mia. El clip pone en escena la realidad urbana de Marsella…

Por la coincidencia, cómo no dedicárselo a la Marsellesa-hip-hopera de la familia.

PD: qué NO nos habrás contado…

Dependencias

Eulalia Valldosera

[Siempre que entro al Reina Sofía por la entrada de la ampliación de Nouvel, para una exposición temporal, me equivoco de planta, de sala o de ascensor. O lo indican mal o el arte me aturde. La exposición está del 4 de febrero al 20 de abril en la primera planta de la ampliación (cota +0) ; ) ]

A la entrada de la exposición, ocho raíles guían cuatro carros de la compra que soportan proyectores de video. Está clara la intención: hay que empujar los carros, a la vez que se arrastra la proyección sobre la pared (una corta secuencia en travelling que muestra gente llevándolos en el aeropuerto o en el supermercado).

El fin que parece perseguir la instalación, es producir un cambio en la percepción visual; es decir, mientras empujamos el carro e intentamos seguir la velocidad de la proyección y nos amoldamos a ella, se cambian las secuencias visuales y se nos superponen otras imágenes o incluso nuestra propia sombra haciéndonos participes de su obra. Nunca alcanzamos a entender la consecución de las imágenes, sus velocidades ni la relación entre las mismas.

A mi modo de ver, se pone en evidencia el actual consumo, frenético y compulsivo, de imágenes que nos bombardean, y nos dejamos bombardear a diario por todos los medios. Imágenes comerciales, informativas o interactivas que muchas veces anulan nuestra capacidad de discernir y priorizar la información que nos transmiten. El carro alude al consumo y las proyecciones a la imaginería recibida.

Toda esta crítica se concibe disfrazada de diversión y entretenimiento activo que promueve la participación de los visitantes, pero que sin embargo, puede llegar a distraer del fin conceptual intencionado.

En la segunda sala, la interacción se produce con botes de productos de limpieza dispuestos como artilugios de diversión. Lejos del uso común de estos envases, Eulalia Valldosera los convierte en artefactos “inútiles” con cualidades sonoras, táctiles y visuales. Es evidente la invitación a examinar cada bote,-si no lo sabes te lo indican-, a pesar de la dentera que puede producir asomar el ojo a la boca de un bote de lejía.

Tras esa experiencia, de nuevo juega con la utilización de los envases, que alumbrados por proyectores de luz, magnifican su sombra en la pared. Eulalia Valldosera asocia las siluetas de estos productos de limpieza a las formas femeninas y les atribuye condiciones de madre, hermana, hija, etc.

Sus obras siempre tienen una connotación personal en la que muestra su relación con lo objetual y lo desechado. El título de la exposición alude a nuestra propia dependencia de los objetos, de las necesidades, de las cargas, las relaciones, las personas y la forma en que construyen nuestra forma de vida desde nuestra ausencia. En general su obra resulta muy sutil y en ocasiones poética.

Varias de sus últimas obras expuestas, están realizadas con colillas de cigarros. Dibuja, sobre un lienzo extendido partes del cuerpo femenino, con la ceniza de colillas apagadas. Una vez trazado el dibujo, barre con una escoba, a modo de pincel, las colillas y deja una estela de ceniza por todo el lienzo.

Como ella misma apunta: “Siempre he hablado de los desechos. Cuando trabajo con las colillas, cuando trabajo con las sombras, no deja de ser parte de ese mundo de los ruidos, de los desechos. El trabajo en sí, la obra final, no deja de ser un desecho de un proceso mental, durante el cual la energía se va perdiendo y acaba en un punto muerto que es la obra.”.

Fuegos Fatuos/Daniel Canogar

Este artista, que me gusta especialmente, está ahora exponiendo en la cámara frigorífica del Matadero. De hecho, ya había visto algunas de sus obras en el Museo Reina Sofía, cuando hubo una exposición colectiva de arte digital y nuevos medios el verano pasado [Estuvo guay porque salí llena de ideas para diseñar lámparas : )].

Sin embargo, el tipo de obras que produce a veces me confunde, no sé si estoy realmente en una exposición artística o en el Cosmocaixa de avances científicos. Pero de todas formas me divierte, me entretiene porque llama la atención.

Los juegos de luces son espectaculares, todo lo que brilla en la oscuridad de la sala es atractivo. Los colores, la combinación de luces y sombras en movimiento, las proyecciones sobre pantallas de bombillas, los “rayos láser” que chocan con columnas y crean contínuas relaciones entre los diferentes espacios o los hilos fluorescentes. En realidad, estos hilos eran la cinta de VHS de Blade Runner desdevanada y extendida “rollo futurista”, como la peli, entre las columnas de la sala.

Lo único que alumbra la sala son las cinco instalaciones; para desplazarte por ella necesitas ir con mucho cuidado de no chocar con columnas o personas y dirigirte únicamente a los puntos atrayentes de luz.

El éxito de la exposición lo debe tener garantizado porque en la cámara frigorífica estaba llena de niños.

Éstas son algunas de las fotos de la expo:

Resulta que el regusto que me dejó la exposición es casi más arquitectónico que artístico. Muchas de las decisiones que toma en la configuración del espacio o en la manera de exponer a oscuras la obra, obligando al espectador a moverse de una forma determinada por el lugar, me parecen decisiones necesarias (y a veces imprescindibles) en la arquitectura. Determina como un visitante recorre y utiliza el espacio a través de un elemento tan sutil como la luz, es genial.

La exposición está hasta el 15 de Marzo y es totalmente recomendable, así que ¡apúrate, ve! Además de la Canogar, hay otra exposición equiparable a ésta, se llama VIDA 11 y no deja nada que desear, es sencillamente fascinante. También de ésta dejo un tentenpié:

]]> http://afiches.wordpress.com/2009/03/09/exposicion-en-el-matadero-de-madrid/feed/ 2 afiches hilo canogar img_5006 huevos sd http://afiches.wordpress.com/2009/03/07/oswaldo-guayasamin-en-una-camiseta-de-hm/ http://afiches.wordpress.com/2009/03/07/oswaldo-guayasamin-en-una-camiseta-de-hm/#comments Sat, 07 Mar 2009 13:13:05 +0000 afiches http://afiches.wordpress.com/?p=177 ]]>

Llevaba yo una camiseta de H&M que me compré en Colonia hace más de un año. La compré porque me atrajo el dibujo de lo que parecía un luna llorando, (aunque he de decir, que casi más, la oferta de la camiseta).

Estábamos en casa cuando me dijo Luis mirando mi camiseta:

-Anda,  Guayasamín, ¿te gusta Guayasamín?

La opción de contestar un -Síííííííííí (largo y de apagado decreciente) más un …bueno no he visto demasiado de él… e ir corriendo al “google search” en “búsqueda avanzada” para ver quién era y qué hacía, estaba descartada por la confianza.

Así que recurrí al -Ni idea, ¿quién es ese? Cuéntame, ¿un diseñador?…

Contestó un -NooOOO (largo y creciente), es un pintor ecuatoriano que tiene unos retratos muy parecidos a los de tu camiseta.

La verdad es que el parecido es indudable, generalmente retratos de caras y manos desgarradas, deformadas, ojos tristes, almendrados y facciones simplificadas o simétricas; pero aunque en mi camiseta pudiera ser una coincidencia más que una influencia, la moda nunca dejará de beber del arte.

El ejemplo estrella de este año en la pasarela Cibeles ha sido el de Francis Montesinos que, saliéndose de lo convencional, ha presentado una colección basada en los cuadros surrealistas de Dalí.

[Este Post lo tenía en deuda, dedicado y prometido, Luis ;-)]

Esta es una diapositiva proyectada en la clase de Historia del Arte y la Arquitectura para mostrarnos como eran los atelier de arquitectura del año 1855.

En el aula se muestra un grupo de estudiantes y un poco más arriba, en la pared superior, aparece el dibujo de un pene disfrazado.

Es curioso porque un siglo y medio después, lo escatológico y el “cacaculopedopis” nos sigue haciendo gracia en las pizarras de la universidad.

Acabo de terminar la continuación de uno de mis libros favoritos Los pilares de la tierra de Ken Follet, y como se suele decir, segundas partes nunca fueron buenas o por lo menos nunca algo mejores.

No digo que Un mundo sin fin lo sea (o quizás un poco) pero es que cuanto más altas eran las expectativas, mayor ha sido la decepción.

Tras Los pilares de la tierra, su homóloga e imitada versión española La Catedral del Mar, El alma de la ciudad y tras éste último, creo que voy a abandonar la temática medieval (por un tiempo).

El argumento del libro se resume en una historia de amor casiimposible, la negra peste que interrumpe la guerra de los cien años entre ingleses y franceses y la tiranía de los señores feudales de la época.

Parece que Ken Follet pretende sostener el argumento con numerosas y descriptivas escenas sexuales en una historia a la que le sobran páginas y páginas.

]]> http://afiches.wordpress.com/2008/10/03/un-mundo-sin-fin/feed/ 2 afiches catdr