ARTE en la red: Cory Arcangel

Estrategias de intervenciones artísticas en la red: el juego como un objeto de arte

Cory Arcángel (1978 ) es un artista digital que vive y trabaja en Brooklyn. Su obra trata la relación entre tecnología y cultura popular.

Arcangel es miembro de Beige Programming Ensembble, la asociación que centra sus programas artísticos en al manipulación ética de la tecnología, de ese modo , llevan la ‘modificación legal de la tecnología’ a extremos absurdos.

Sus proyectos más conocidos son las manipulaciones de juegos de “Nintendo”, y su reinterpretación de los sistemas de ordenador de los 70 y 80.

Algunos ejemplos como en el trabajo de Mario donde todo ha sido borrado excepto las nubes, una versión del Tetris donde reduce la velocidad drasticamente y por último “I shot Andy Warhol”, en el que remplaza los objetivos del juego de disparos “ Hogan’s Alley” con imágenes del Papa Juan Pablo II, Flavor Flav y Andy Warhol.

Ha colaborado con Paper Rad Art Collective para realizar Super Mario Movie, un video de 15 minutos, que remplaza el código del juego del Super Mario Bros, pero deja todos los gráficos intactos. Narra la historia del juego en el mundo, como se vuelve corrupta y como Mario se cuestiona su propia existencia.

Se le podría considerar uno de los sucesores de Arcangel Constantini, quien realizó un trabajo llamado “Atari Noise” (1999), una cruda modificación del conocido ATARI 2600 para consola. También modifica la consola, que podía ser vendida a mejor precio. Esta pieza es la predecesora de otros tipos de consola como la Playstation o Gamecue. “Atari Noise” hace referencia a uno de los más importantes traajos de media art: el “videosynthesizer” (1969/1992) de Nam June Paik, pero en una versión low-tech. Paik desarrollaba una máquina donde las imágenes se movían para que pudieran ser manipuladas a tiempo real.

Cory Arcangel: “Super Mario Cloud” (2002)

“Super Mario Cloud” está basado en le juego “SuperMario” para la videoconsola de Nintendo. Arcangel hackea y modifica no sólo el software sino todo el hardware. Abre el cartucho, desconecta algunos contactos de la tabla de circuitos y remplaza los gráficos de la Nintendo por un chip de programa grabado por el mismo.

El superhéroe Mario desaparece junto con todos los obstáculos. Lo único qeu deja son unas cómicas nubes blancas sobre el cielo azul. En definitiva, quita todos los elementos narrativos del juego (paisajes, obsáculos, oponentes) que lo hacen dinámico.

Si se está familiarizado con el juego, puedes imaginar el desarrollo en la zona vacía, pero el resto solo verá un dibujo animado de unas nubes en el cielo.

Fuentes: 1, 2 , 3 , 4 , 5

ARTE, Biotecnología y Simbiótica

Eduardo Kac, artista brasileño. Uno de los más importantes dentro del campo de la biotecnología y la simbiótica, y principal creador de los fundamentos del ars vivendi.

Kac fue el primero en llevar a cabo la manipulación genética de un ser vivo con un fin artístico. Se trata de su proyecto inicial: Génesis, donde interviene el código genético de la bacteria del E coli.

La modificó genéticamente con la ayuda de un laboratorio, planteando que el código genético de la bacteria, se podía traducir a un código, y éste, a otro a su vez. La primera traducción fue al morse y la segunda a las cuatro letras que se emplean en todos los códigos genéticos (TCAG): T,- guión; A, espacio palabra; C, · punto y G, espacio de letra.

Es decir, reconfiguró el código con una frase de la Biblia: “Let man have dominion over the fish of the sea and over the fowl of the air and over every living thing that moves upon the earth” ,(frase que le viene al dedo).

Más tarde, montó una instalación en la que invita al público a alterar el código de la bacteria. Activaban las radiaciones desde Internet, provocando accidentalmente mutaciones sobre las bacterias. En la naturaleza las mutaciones no tienen ningún valor positivo, pero de vez en cuando si pueden ser positivas y favorecer el desarrollo de la especie.

Finalmente, decodificó el código genético de la bacteria que respondía a las mutaciones; el texto resultó alterado: “Let ann have dominion over the fish of the sea and over the fowl of the air and over every living thing ioves ua eon the earth”. La frase modificada como si la naturaleza respondiese ante la intervención digital de un sólo ‘clik’ de ratón sobre un ente vivo.

Esta noche no somos putas somos princesas

El año pasado, durante la primera etapa de un ejercicio de proyectos arquitectónicos, tuvimos que desarrollar un sistema topográfico de plegado, doblado, moldeado, plisado, fruncido, pop-up, etc. Tras sacar un patrón tipo que activara el terreno con un programa determinado, la segunda fase fue la aplicación de ese sistema abstracto a la topografía facial.

(este mi proyecto topográfico)

La excusa para construir la máscara fue el proyecto de Tadej Pogacar (CODE: RED) y la convocatoria del colectivo Hetaira junto con el ojo atómico (antimuseo de arte contemporáneo).

Estuvimos colaborando con ellos en el taller de caretas:

Haz una máscara para una puta-

CODE : RED es un proyecto multidisciplinar, de largo plazo y colaborativo que investiga y discute acerca del trabajo sexual y sus modelos de economía informal y auto-organización, así como sobre la interdependencia entre globalización, feminización del trabajo y las migraciónes, tráfico humano y prostitución. (Para leer más acerca del proyecto, o aquí)

El resultado:

Reflexiones de Caye, una prostituta en la película Princesas de Fernando León, el inquitante fragmento:

“Es rara,¿no? la nostalgia…Porque tener nostalgia en sí no es malo, eso es que te han pasado cosas buenas y las echas de menos. Yo por ejemplo no tengo nostalgia de nada, porque nunca me ha pasado nada tan bueno como para echarlo de menos…eso si que es una putada. ¿Se podrá tener nostalgia de algo que aún no te ha pasado? Porque a mi a veces me pasa. Me pasa que me imagino como van a ser las cosas, con los chicos por ejemplo o con la vida en general, y luego me da pena cuando me acuerdo de lo bonitas que iban a ser, porque iban a ser preciosas…y luego cuando lo pienso, me da nostalgia, porque iban a ser tan bonitas cuando me doy cuenta de que aún no han pasado y que a lo mejor no pasan nunca…me pongo super triste, pero es como una tristeza a cuenta, como la fianza de cuando alquilas una casa, pero con tristeza, que la pones por delante, porque total, sabes que la vas a acabar utilizando igual…”

Candela Peña, Caye en Princesas

“Soy un payaso y colecciono momentos”

“Soy un payaso y colecciono momentos”. BÖLL, Heinrich, Confesiones de un payaso.

Jean-Antoine Watteau, Gilles, 1721

“Lloramos cuando algo es triste. También derramamos alguna lágrima cuando algo es muy bonito. Reímos cuando algo es divertido o feo. Quizá nos ponemos tristes cuando algo es bonito porque sabemos que no va a durar para siempre. Luego nos echamos a reír cuando algo es feo porque sabemos que es sólo fingido.

Los payasos son graciosos porque son terriblemente feos. Cuando se quitan la máscara delante del espejo, se vuelven muy hermosos. Por eso los payasos se ponen tan tristes e infelices cada vez que entran en su caravana del circo y cierran la puerta con fuerza.”

GAARDER, Jostein. El enigma y el espejo

Tony Oursler, video-instalación

‘Trunk Mask Bomb Frame Hatchet Crutch Queen’, Tony Oursler

Su obra más reciente se expuso en la galería Soledad Lorenzo a principios de año.

La verdad es que sus video-esculturas son espectaculares.

Las formas de los objetos se llenan de vida gracias a las proyecciones, favorecen un realismo inexplicable. Dotadas de una vida digital que parece “negar” la estaticidad de la materia.

La expresividad escultórica acentuada con las proyecciones, es una combinación perfecta de video y escultura. Sorprende por la utilización de zonas del cuerpo humano, especialmente de la cabeza, dispuestas en sentidos y tamaños no convencionales y que sacados de escala, producen una sensación incómoda y extraña pero muy impactante.

Creo que en esta exposición las esculturas se cargan de más ideología; lo que antes era una obra más visual, ahora se complican con diálogos pronunciados por una voz deformada, y que dan más sentido a la disposición y proyección de las esculturas parlantes.

Por ejemplo, en la primera video-escultura de la galería aparece una bomba hablando, y por detrás la proyección de una moneda. La bomba reproduce un monólogo (en apariencia inconexo) que tiene que ver con el poder, la riqueza y el gobierno.

Otra video-escultura gana más importancia por tener forma orgánica; acabada en una lágrima que se apoya sobre una muleta de madera, recuerda a los cuadros surrealistas de Dalí, donde el límite de los contornos se deforma y se apoya sobre bastones y muletas.

Casi todas son piezas llamativas; te atrapan de un solo golpe de vista. Esculturas vivientes algo surrealistas, que no dejan indiferente al espectador.

Es tarde para recomendar la exposición, pero no su sitio web!

(Para ver las obras en video de esta última exposición: ‘Trunk Mask Bomb Frame Hatchet Crutch Queen’ .Publicados en elmundo.es)

“ERES LO QUE LEES”

Cuando la red nos atrapa, todo depende.

No tenía pensado tocar este tema, pero creo que, como estudiante de arte, hay que mojarse con lo que nos concierne aunque nos incomode. Aquí expongo una opinión al alcance de la criba y merced de la jauría de perros.

Es imposible no resultar contradictorio cuando opinas acerca de un tema, y más si se trata de un conflicto que ha generado un revuelo mediático de más de 2.000.000 de firmas.

Hipocresía lo llaman algunos, ignorancia lo llamarían otros.

Hablamos de Natividad, un perro callejero expuesto durante 3 días en una galería de arte de Nicaragua.

La realidad es que nadie sabe a ciencia cierta si el perro murió o no. O que quizás el perro estaba enfermo, le quedaba un ‘tris’ y que fueron los últimos días de su vida cuando recibió comida y bebida.

La obra de Habacuc ha consistido en la construcción mediática de una situación que juega con la ficción, un simulacro que inevitablemente se mezcla con la realidad: el perro iba a morir-de todas formas-, en la calle o en la galería de arte, ahí es donde radica la diferencia de su muerte y el consecuente escándalo. Desde luego el objetivo esperado fue cumplido con creces y multiplicado a nivel internacional.

Apodó al perro con el nombre de Natividad, lo que dio lugar a otras muchas críticas, me atrevo a decir que menos voraces que la suya propia, subrayando la hipocresía de la gente: ‘Igual pasó con Natividad Canda, la gente se sensibilizó con él hasta que se lo comieron los perros’

No pretendo defender a toda costa, la obra de Habacuc, pero su fin de provocar y tambalear la estructura de los medios está conseguido.

No hay ni buenos ni malos, simplemente indiferentes o hipócritas: “Nadie llegó a liberar al perro ni le dio comida o llamó a la policía. Nadie hizo nada”, (actitud perfecta del espectador pasivo) y sin embargo se ha relatado una situación, con los datos que interesan (una verdad a medias a veces se traduce en mentira), y que a ojos de cualquiera resulta de lo más inmoral. Esto ha levantado una polémica a nivel internacional y una fuerte presión de los medio contra la galería códice, la noticia que parece llegada ‘vía teléfonoescacharrado’ ha saturado los blogs de comentarios contra el artista. En definitiva, como reza su lema de galletas caninas en la galería: ‘Eres lo que lees’.

Antes de firmar, permite un lugar a la duda.

Ya se puede soltar a los perros.

(Para leer más, hay colgados muchísimo, reportajes, noticias, incluso un email que circuló por ahí hace meses. También han creado un blog con su nombre. Todos, obviamente para mal)

Video-Graffiti

Se llama MUTO a wall-painted animation y es de BLU.

Echando un cálculo rápido, para hacer 7 minutos de animación, se necesitan unos…¡5000 fotogramas! vamos, una pasada de dibujos (en este caso graffitis).

Al final del video, el tipo se harta de borrar el rastro (obviamente) y le queda gris, pero la animación moooola, mola mazo.

Pintar Ideas de Plata

Fotografía Irónica

Aunque a veces pueda parecer lo contrario, el fotógrafo Chema Madoz se siente más fotógrafo que escultor.

Su obra más IRÓNICA, consiste en la antítesis de ideas y elementos, que realzan la contradicción de significados.

(No perderse el resto de fotos de su WEB!)

Me han recordado mucho a las de Meret Oppenheim- de hecho, algunas parecen un pequeño homenaje a esta artista- más escultora que fotógrafa:

Le Dejeuner en Fourroure, 1936, o ésta otra, Twin Shoes

Y ya por acabar, retrocediendo un poco más en el tiempo, las de Man Ray:

Gift, 1921 y Le violon d’Ingres, 1924

DISCRIMINATION DAY: Dans la peau de l’autre

Una de las obras que más me impacto del artista Peruano Jota Castro (exdiplomático de Naciones Unidas y en la Comunidad Europea), fue Discrimination Day. En la obra nos invita a reflexionar sobre el racismo.

Lleva a cabo un performance en el que pretende que las personas que nunca han sido víctimas de la discriminación, experimenten sus ‘efectos’. (Llegó a llenar la exposición con más de 4000 personas de color).

A la entrada de la exposición de arte contemporáneo, coloca dos carteles encima de os accesos por los que debe pasar la gente. En uno pone: BLANCS/WHITES y en el otro OTHERS/AUTRES. Los que acudían a la exposición tenían que decidir en qué cola ponerse. La gente de color que pasaba por el acceso OTHERS/AUTRES, entraban sin ningún problema y con total libertad pero los que entraban por el otro acceso, tenían que esperar larguísimas colas, les registraban todo y a muchos los echaban de la exposición sin motivo.

Muchos de los que fueron rechazados de la cola de blancos se deberían preguntar: por qué ellos, para comprender lo que siente una persona o colectivo social, cuando es discriminado por el simple hecho de pertenecer a una raza o cultura diferente. De este modo los obliga a ponerse en el lugar del otro, y empezar a cambiar el problema desde la empatía.

Suena un poco utópico, pero aunque así sea, la idea es muy acertada para concienciar, si bien sólo una tarde, de que da igual el color de tu piel, tu idioma, procedencia o religión, porque lo que importa es ser ‘ciudadano del mundo’ ni superior ni inferior a otro.

Creo que lo que más me gusta de este artista es la capacidad que tiene para llegar a la gente, a un público no necesariamente experto, y para movilizar, atraer y promover a que participen en sus instalaciones o performances.

‘My role as an artist became clear to me when I understood that the artist is a man as any other, that he decides he has things to say and things to do, and that he doesn’t have time to lose. He feels that his times need interprets and he recognizes himself [se reconnait] in the world that surrounds him.’ Jota Castro

“Simple, pero nadie lo había hecho antes”

Geeeenial la frase de Michel Gondry, famoso por sus originales VIDEO-CLIPS.

‘La clave de todo está en la sensación que tenemos al ver uno de sus vídeos, en este caso, o al ver una idea sencilla pero genial.

Videoclip de White Stripes hecho con piezas de LEGO

-¡qué cabrón se me podría haber ocurrido a mi!

Ver una idea sencilla y genial, nos hace creer que eso se le puede ocurrir a cualquiera. Nos hace creer que nosostros también podemos ser geniales y eso siempre gusta.’ (Juanjo Sáez)

Y todavía mejores los dibujos y reflexiones acerca del arte de JUANJO SÁEZ en: el Arte, conversaciones imaginarias con mi madre.

Este otro videoclip del mismo grupo tampoco está de más verlo. Un poco de paciencia, 36 baterías y un grupo de rock guay tiene este resultado: